Альбомы 2018

А

Мне так нравится моя подводка из позапрошлогоднего поста про альбомы, что я оставлю её практически без изменений.

Я далеко не Resident Advisor, в детстве не мечтал стать Dancing Astronaut и нисколько не претендую на лавры Pitchfork.

Не будучи серьёзным изданием, добавлю, что не планирую вам рассказывать про лучшие альбомы этого года. О нет, я всего лишь назову свои любимые.

10. What So Not – Not All The Beautiful Things

Жили два друга – Крис и Харли. Они были австралийцами и писали волшебную, не похожую ни на что музыку. Их коллектив назывался What So Not.
Всё шло довольно хорошо, они стреляли хитами, не допуская промахов. Потом Харли сказал, что хочет заниматься сольной карьерой и создал свой проект. Он назвал его Flume.

У руля проекта What So Not остался один Крис – и теперь он обречён на реплики в стиле “а, это тот дуэт, с которого начинал Флюм”.

Форумы трещат от споров о том, кто что у кого воровал и в какой последовательности, но факты остаётся фактами:
– Крис и Харли звучат как однояйцевые близнецы, которых родители разлучили в детстве;
– У Харли есть Грэмми, а у Криса почему-то нет;
– все музыканты, которые сотрудничали с дуэтом, продолжили делать коллаборации с Крисом, а с Харли почему-то нет.

Дебютный альбом Криса – Not All The Beautiful Things, конечно, невероятно крутой, но я думаю, что он мог бы быть чуточку лучше, если бы не зависть.
What So Not – в отличие от Флюма – безупречен в создании зубодробильных летних шлягеров.
Однако, он понимает, что за зубодробильные летние шлягеры Грэмми не дают, поэтому он постарался составить альбом из треков, звучание которых близко к слову “экспериментальное”.
Поэтому подошвы вам разорвёт разве что старый, но дождавшийся таки релиза Goh. И альбом в целом вышел куда спокойнее, чем ожидаешь от What So Not.

Пожалуйста, не думайте, что What So Not – это Flume для бедных. Вовсе нет, очень даже для богатых. Просто нам повезло жить в мире, где таких красавчиков двое.

9. ONUKA – MOZAЇKA

Писать про Онуку, не пользуясь словосочетанием “эпохальное явление”, довольно сложно, так что я даже пытаться не буду.
Яркий, технически совершенный симбиоз украинского фольклора с современной танцевальной музыкой оправдывает название альбома своей невероятной калейдоскопичностью.

Согласно громобойному GUNS DON’T SHOOT стреляет не оружие, а человек. Onuka и The Maneken выстреливают независимо от того, за какой материал возьмутся.
Судите сами: GOLOS звучит как революционный марш, а ANIMAL тащит слушателя в ночной клуб; ALL FRIENDS – экспериментальный даунтемпо в то время, как стоящий рядом ALONE легко сойдёт за 253й сингл The Chainsmokers.
STRUM, комбинируя в себе сложную структуру, великолепные струнные и до не приличия примитивный, но эффективный текст, и вовсе является одной из моих самых любимых композиций года.

8. The Glitch Mob – See Without Eyes

Стиль произведений The Glitch Mob однозначно узнаваем. Легче всего его описать термином “глитч” либо же “глитч-хоп”. Или не выпендриваться и назвать IDM, что тоже ошибкой не будет.

Согласно википедии, в стилистике лос-анджелеского трио, состоящего из edIT, Boreta и Ooah, прослеживаются элементы индастриала, техно, нойза, брейкбита, рока, психоделии, дабстепа и ещё некоторых жанров, которые названы для того, чтобы убедить вас в уникальности звучания коллектива.

Ритмы The Glitch Mob почти всегда ломаные, структура сложная и вязкая, атмосфера – зловещая и пафосно мрачная.

Их первый альбом удивлял и даже отталкивал количеством экспериментов. Второй – поражал стремлением к мейнстриму и использованием жанровых клише.
Третий – See Without Eyes – находится как будто бы именно там, где ему и место.

Здесь всё на своих местах: в меру психоделии и рока, в меру распиливающих басов и давящих битов, в меру классических танцевальных приёмов и поп-вокала.

See Without Eyes звучит мощно даже в свои самые трогательные моменты, а эмоций здесь хватает – один только трек с Elohim чего стоит.

Новая работа The Glitch Mob как будто замирает в лимбе между EDM и IDM, успешно совмещая преимущества обеих музыкальных областей и отбрасывая их недостатки.
Нельзя судить альбом по обложке, но тут она действительно так же хороша, как и начинка.

7. Yotto – Hyperfall

Наверное, по меркам своей родины – холодной, тёмной Финляндии, Отто Юлиперттула, более известный как Yotto пишет не просто радостную, а какую-то космически счастливую музыку.

Впрочем, по моим личным меркам – тоже.

Его треки несколько лет бомбили все возможные электронные хит-парады; почти про каждый сингл Пит Тонг отдельной строкой в своём шоу на BBC 1 говорил “ребят, тут новая дипхаусовая торпеда от Йотто, давайте послушаем”. Ожидания от альбома были высокими, даже заоблачными.

Hyperfall получился весьма спорным, но не плохим – иначе бы его в этой рейтинге не было. Стараясь разнообразить своё фирменное звучание, Yotto напихал в альбом несколько довольно проходных треков, но их наличие оправдывается шедеврами: The One You Left Behind застряет в голове всерьёз и надолго, Radiate гипнотизирует, Walls легко натягивает на лицо слушателя жизнерадостную улыбку.

В этом, кстати, основная особенность альбома. Он целится в чувства, каждый трек бьёт по какой-то эмоции. Всего за 52 минуты тут можно успеть почувствовать как меланхолию, так и хюгге.
А так же космос, само собой.

6. Jon Hopkins – Singularity

Сомневаться в магических способностях Джона Хопкинса не приходится. Возможно, Джоан Роулинг хотела назвать школу волшебников именно в его честь, но потом вспомнила, что университет с таким именем уже существует, и дала своим кошкам возможность донабрать оставшиеся буквы, чтобы получился Хогвартс.

Хопкинс долгие годы ведёт композиционную борьбу против клишированных структур. Каждый его трек многослоен и непредсказуем. Теми же эпитетами описывается его альбом.

Singularity можно условно разделить на две части: боевую и спокойную. Первая половина будто создана а для танцпола, вторая – размеренный эмбиент.

Как и следовало ожидать от альбома с таким названием, получившийся набор звучит гармонично и замкнуто.

Как и следовало ожидать от альбома Хопкинса, он вдохновляет и музицирует.

Everything Connected и Emerald Rush послужат для вас Терпсихорой, а C O S M и Feel First Life станут вашими Уранией и Мельпоменой.

Каждая из девяти композиция – это маленькая ракета, автоматически отправляющая вас в одну из галактик Джона Хопкинса.

5. San Holo – album1

Прикидываясь милой и незамысловатой летней пластиночкой, album1 являет собой элегантное доказательство существования коллективного бессознательного.

San Holo не может знать прошлого своих слушателей. Тем не менее, вне зависимости от цвета ваших воспоминаний, album1 бьёт в самые ностальгические чувства.

Доподлинно неизвестно, как это удалось Сандеру ван Дейку. Возможно, виной тому ласковые гитары, а, может, и нежные синтезаторы. Вполне допустимо, что на ностальгию нас пробивает от двустрочных куплетов или от тоскливого вокала.
Впрочем, виной тому могут быть и трэповые биты, хоть это и кажется нереальным.

Абсолютно неважно, какой трек из альбома окажется вашим любимым. Прилипнет ли к вам мелодия из brighter days, заставит ли танцевать в душе forever free, оторвёт от земли lift me from the ground или отправит с чаем на подоконник surface – главное, что album1 магическим образом заставит вас что-то чувствовать, даже если вы на 80% состоите из цемента.

Сандер ван Дейк знает некий секрет про музыку, радость, жизнь – и спешит поделиться им с помощью своих треков.
Его стиль сложно описать несколькими словами, но я попробую: именно так звучат солнечные зайчики.

4. Andrew Bayer – In My Last Life

Восьми треков обычно не хватает для выпуска полноценного альбома – к нему даже лепят приставку [мини-] во избежание недоразумений и для корреляции ожиданий.

Тем не менее, гениальность и бесконечный талант Эндрю Бейера помогли ему легко справиться со сложной задачей.

Несмотря на скромную длительность, In My Last Life содержит в себе множество смыслов, символов и посылов, а также имеет чёткую, вычищенную до блеска структуру.
Композитор Andrew Bayer и вокалистки Ane Brun и Alison May создали завораживающее повествовании о чём-то эфирном и невероятно великом.

Бытует мнение, что их альбом рассказывает о расставании. Однако, подобная глубина мысли сравнима с идеей о том, что “Титаник” – это история про корабль.
Фактически, они взяли то, ради чего люди живут, – любовь – и то, чего больше всего боятся – смерть.
Так они пришли к главной теме альбома.
Так они создали монументальное творение о смерти любви.

In My Last Life было бы легче представить в виде восьми, а не одной рецензии. Каждый трек хочется разбирать на кусочки: искать скрытые смыслы текстов, любоваться выбранными инструментами, восхищаться незаметным отсутствием рифм, следить за музыкальной прогрессией и так далее.

Звучание у Бейера вышло разношёрстным: здесь можно вспомнить о Timbaland, London Grammar, M83 и других. При этом, стиль британца остаётся чётко узнаваемым, а жанр альбома невозможно обозначить точнее, чем indie electronica – даже учитывая местные вкрапления IDM, трип-хопа, кантри и чего угодно.

Бейер, Брюн и Мэй делают невозможное. Ловко и талантливо рассказывают о смерти – и делают это так, чтобы слушатель чувствовал себя живым.

Лучший вокальный альбом года.

Достойные упоминания

На мой взгляд, год вышел очень удачным с музыкальной точки зрения.
Несмотря на это, я выделю всего один мясистый альбом, достойный хэштега #песторезка. Речь идёт о драмнбасовой торпеде Mefjus – Manifest. Особенно любопытна его версия с комментариями, где интервью у автора берут ребята из Noisia.
Чуть менее мясное и режущее наполнение можно встретить в пластинке неповторимой REZZ – Certain Kind of Magic.

Из поп-музыки хотелось бы выделить Hearts Hearts – Goods / Gods и, конечно же, волшебную Монеточку и её Раскраски для взрослых.

Самым большим удивлением стали для меня чувства к проекту от Bon Iver: его альбом Big Red Machine – Big Red Machine внезапно получил от меня куда большее количество прослушиваний, чем я предполагал изначально.

Metric – Art of Doubt – чудесный представитель альтернативного рока – со своей фантастической энергетикой, мощными гитарными рифами и чарующим вокалом Эмили Хайнс.

Конечно, нельзя не отметить потрясающий re:member от Олафура Арнальдса. Исландская неоклассика делает с моими струнами души всё, что ей заблагорассудится.

Под конец года вышел альбом любимого музыканта Кристиана Лёффлера – Parra for Cuva – Paspatou. Это тёплая, приятная электроника, которую я пока ещё не успел до конца расслушать, но буду к ней возвращаться ещё не раз.

3. George Fitzgerald – All That Must Be

Джордж Фитцджеральд звучит как человек, имеющий безупречный вкус. Фактически в его музыке нет ничего особенного или инновационного, однако, его хаус выделяется чем-то неумолимым среди всего шлака, который забивает танцевальные топы.

Британец берёт вполне обычные инструменты – прямую бочку, лёгкий бас, незамысловатые синтезаторы и вокальные огрызки – и собирает из них хиты, бьющие в самое сердце.

Не верите? Тогда послушайте Burns, который выстраивает свою мелодию на коротком междометии и неизбежно запутывается в вашей голове, вынуждая тело дёргаться в такт твёрдому биту.

Послушайте Roll Back, где из козырей у музыканта был лишь меланхоличный вокал от Lil Silva, и тем не менее Фитцджеральд выжал из него максимум и смог воссоздать с его помощью сложноструктурную композицию.

Послушайте Outgrown, в котором единственным инструментом в руках Фитцджеральда оказался Bonobo. Получившийся трек звучит любопытнее любого безвокального трека из прошлогоднего альбома Саймона Грина.

All That Must Be абсолютно не заморачивается относительно темы уникальности и просто старается сделать всё качественно и правильно, окутывая слушателя в изящные текстуры музыкальной гармонии.

2. Maribou State – Kingdoms in Colour

Несколько лет назад лондонский дуэт Maribou State выпустил дебютную пластинку Portraits и мгновенно попал под прицелы многочисленных таблоидов.
Уникальное звучание коллектива породило множество поклонников, жаждущих познакомиться поближе с новоиспечёнными любимцами — и Maribou State, не размениваясь по мелочам, отправились в мировое турне. Оно-то и стало главным вдохновением для второй пластинки британцев.

Kingdoms in Colour умудряется одновременно быть как альбомом-путешествием, так и идеальным спутником для последнего.
Здесь можно услышать мотивы из Индии, Японии, Техаса и многих других мест. Лёгкие, добрые мелодии неизбежно ассоциируются с радостью и приключением. Лучшего саундтрека для долгой дороги придумать просто невозможно.

Существует невероятное количество музыкальных произведений, которые создают трагедию и ловко пробивают на слезу. В конце концов, драма продаётся лучше комедии.
Kingdoms in Colour я полюбил за обратное. Это полотно, греющее душу и талантливо пробивающее на улыбку.

1. Rival Consoles – Persona

Четвёртый альбом британца Райана Ли Веста – несомненно лучшее его творение. Своим названием Persona отсылает к психологической драме Ингмара Бергмана, повествующей о различии между нашей социальной проекцией и тем, что у нас внутри на самом деле.

Открывающий трек Unfolding можно полюбить хотя бы за название. Рвущий, нарастающий синтезатор, будто имитирующий грозу, перетекает в мощный техно-трек. Затем Райан делает небольшой твист и финалом композиции становятся весёлая мелодия, выстроенная на колокольчиках. Неужели радуга?

Если Unfolding не справится, то второй трек, давший название альбому, обязательно заставит вас двигаться. Persona объединяет в себе эффективный бит и проносящиеся поезда.
Здесь раскрывается истинная натура альбома: всё может сначала казаться простым и прямолинейным, но рано или поздно обязательно вылезут ноты, выбивающиеся из такта.
Так Райан показывает, что какофония честнее благозвучия.
Хаос натуральнее порядка.
Сумбур правдивее стройности.

Phantom Grip зацепил мой слух первым. При знакомстве с альбомом я сначала лишь его и выделил. Сложная композиция и идеально подобранные синтезаторы показывают, как должна звучать тревожность, постепенно переходящая в отчаяние.

Райан признаётся, что следующий трек – Be Kind – был записан в один присест. Это чистая импровизация, которую он отыграл лайвом в своей студии. В итоге он ничего в ней не редактировал. Его амбиентность – полная противоположность сосредоточенному Phantom Grip.

Про каждый трек я рассказывать, пожалуй, не буду. Добавлю лишь, что Dreamer’s Wake и Hidden – это, пожалуй, главные хайлайты альбома и пропускать их не стоит.

Persona – не самый простой для прослушивания альбом и он безумно далёк от мейнстримного звучания.
Его жанр нельзя сузить до чего-то меньшего, чем electronica, но стиль проще всего описать именно словом артхаус. Возможно, именно поэтому Rival Consoles выбрал такое название альбома. Возможно, он отсылал не только к главной идее киноленты Бергмана, но и к артхаусу в целом.

С другой стороны, бояться тут нечего. Райан постарался сделать добрый, обходительный артхаус, который радует слух вместо того, чтобы заявить “смотрите, музыка может делать больно”, как это часто проворачивает Clark, например.
Короче говоря, это скорее “Леди Бёрд”, чем “Дом, который построил Джек”.

Вряд ли получится оценить все тонкости альбома за одно прослушивание. Persona – глубокое, многогранное произведение. Такое, каким и являются человек и его душа.

Привет! Меня зовут Саша Козлов. Я пишу рассказы и работаю над созданием книги.
Если в вашем почтовом ящике не хватает уведомлений, то обязательно подпишитесь на мою email-рассылку. Смею сказать, что информация о новых постах будет появляться не так уж и часто. К тому же, вы в любой момент можете отписаться.
Но на этом плюсы не заканчиваются! Есть и много других, например, я не интернет-магазин, в котором вы когда-то что-то случайно купили. И не электронная квитанция от Uber. И даже не очередное уведомление от Facebook, которое вы забыли отключить.
К тому же, кто знает, может, вам даже понравится то, что я пишу. Тогда обязательно подписывайтесь. Как минимум, мне будет приятно.